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lunes, 30 de abril de 2018

Hoy 30 de abril se celebra el Día Internacional del Jazz

Por Compartiendo mi Opinión
El jazz es una celebración, un rito, una alegoría. El Jazz nace en la bulliciosa ciudad portuaria de Nueva Orleans, Luisiana, Estados Unidos, alrededor de 1885, producto de la unión de diversos estilos e influencias previas. 

De África, América y Europa 

Esa mezcla tan característica (y compleja), consustancial al estilo, fruto de un paulatino y silencioso proceso de evolución, desencadenó en lo que actualmente conocemos como jazz. Sin embargo el término propiamente dicho no tiene un origen tan claro como la música. 

Hay muchas teorías diferentes del origen de la palabra jazz y los expertos no se ponen de acuerdo exactamente sobre su origen. Algunos autores lo relacionan a un término beisbolero utilizado en el sur para describir un lanzamiento en el cual la pelota tiembla y el bateador no puede hacer nada con ella, otros lo atribuyen al fanti, un dialecto de un grupo étnico que habita en el sur de Ghana así como en Costa de Marfil (África Occidental), término usado para referirse al placer, a la excitación y al negocio sexual el cual fue adoptado por los negros sureños de Estados Unidos. 

En los años 20, por ejemplo, la palabra se identificaba fundamentalmente solo con músicos blancos. Paul Whiteman era denominado como 'King of Jazz'. Aunque el fanfarrón más famoso de su historia, Jelly Roll Morton, aseguraba que él ya utilizaba el término 'jazz' desde 1902. Pero a oídos del público norteamericano pioneros como él, como Louis Armstrong o Joe 'King' Oliver practicaban música hot, no jazz. Inmediatamente, por tanto, surgen cientos de preguntas sobre la difusa procedencia del término; ¿Cuándo empezó a usarse la palabra 'jazz'? ¿De dónde procede? ¿Quién lo hizo por primera vez? ¿En qué contexto? 

Según una de las teorías más comentadas su origen data de 1912 y vendría de una palabra que los periodistas deportivos de la costa oeste usaban para referirse a una liga menor de beisbol en la que sus jugadores siempre demostraban gran energía y vitalidad. En 1913 ya se habría trasladado este término a la música, aunque con un sentido negativo. Pero no sería hasta 1915 cuando la palabra jazz se utilizase por primera vez para definir un tipo de música. Aunque al principio se usaban indistintamente las formas jazz/jas/jass. 

Hay otra teoría muy difundia, la cual dice que la Original Dixieland Jazz Band tocaba en el Schiller’s Café de Chicago en el año 1916, cuando un cliente en evidente estado de embriaguez se puso en pie y gritó “Jass it up, boys!”, una expresión que se usaban en los bajos fondos de Chicago los negros sureños para referirse al placer y al negocio sexual. Al poco tiempo la banda ya fue denominada Stein´s Dixie Jass Band. Al mudarse a Nueva York la banda cambió su nombre por The Original Dixieland Jass Band, pero por una errata de imprenta escribieron Original Dixieland Jasz Band, y de ahí ya derivó a la forma definitiva JAZZ. 

A las múltiples teorías que intentan dar respuesta a estos interrogantes hay que unir las fuentes poco fidedignas, relatos cuasi mitológicos e historias del folclore popular, con poca base lingüística. Aun así, existe toda una literatura de investigación que pretende arrojar luz al misterioso origen de la palabra jazz. Las propuestas son tan variadas como pintorescas. Desde las diversas connotaciones sexuales del término, a las referencias a personajes de leyenda, reminiscencias africanas, derivaciones del dialecto criollo patois o del slang de los bajos fondos hasta incluso orígenes divinos. 

No obstante no haber un acuerdo sobre el origen de la palabra jazz, su primer aparición escrita, de la que se tiene récord, ocurrió en un boletín fechado el 6 de marzo de 1913 en la ciudad de San Francisco, California. 

La Unesco al proclamar el 30 de abril como el Día Internacional del Jazz, Resolución aprobada, en la 17ª sesión plenaria, el 10 de noviembre de 2011 se expresa así: "La Conferencia General, habiendo examinado el documento 36 C/65 relativo a la proclamación del Día Internacional del Jazz y la Decisión 187 EX/46 del Consejo Ejecutivo sobre el particular, recordando que el jazz es un medio de potenciar e intensificar los intercambios y el entendimiento entre culturas para promover la comprensión mutua y la tolerancia. Pide a los Estados Miembros de la UNESCO que participen activamente en la celebración del Día Internacional del Jazz, en los planos local, nacional y regional, con la colaboración activa de las comisiones nacionales de cooperación con la UNESCO, las organizaciones no gubernamentales y las instituciones públicas y privadas interesadas". 

Por su parte, en 1987 el Congreso de los Estados Unidos de América declaraba al jazz como un «destacado modelo de expresión» y como un "excepcional tesoro nacional". 

El jazz es un producto de la cultura afroamericana, siempre ha estado abierto a influencias de otras tradiciones musicales. Se ha señalado que el motor de dicho progreso ha sido la innovación, una particularidad que siempre ha estado presente en la historia de esta música, dirigiendo su evolución y caracterizando la obra de sus artistas más destacados al lado de una rama más tradicionalista. Paralelamente a esta dicotomía entre la innovación y la tradición, el jazz siempre se ha movido entre la obra de unos artistas que solo han buscado el reconocimiento de una pequeña pero selecta audiencia y otros que ha dirigido sus esfuerzos a una audiencia más amplia. 

El jazz es en realidad una familia de géneros musicales cuyos miembros comparten características comunes, pero no representan individualmente la complejidad de género como un todo.

Función Social 

El jazz puede servir como música de fondo para reuniones o como música de baile, pero ciertos tipos de jazz exigen una escucha atenta y una concentración profunda. Los aspectos sociales comprendidos desde el Jazz requieren un ángulo de estudio diferente

Aspectos Raciales

El tema racial siempre ha generado un profundo debate sobre el jazz, moldeando su recepción por parte del público.

sábado, 14 de abril de 2018

SALUD MENTAL LA MEJOR HERENCIA FAMILIAR: LA MUSICA PUEDE DISTORSIONAR MENTES


Por Dra. Margarita Mendoza Burgos



Alguna vez, allá por 1932, el pianista húngaro Rezso Seress compuso el tema musical Gloomy Sunday, al que luego llamaron la canción maldita, ya que decían que inducía al suicidio. De hecho, un artículo de la revista Time de 1936 recoge las historias de una serie de personas que misteriosamente se suicidaron -muchos se arrojaban al río Danubio- tras escuchar esa canción. Entre ellos, el mismísimo Seress, el autor. Tal fue la obsesión que la BBC inglesa durante más de cuatro décadas prohibió su difusión.

Hoy, más de 80 años después, la música sigue estando en la mira y nos sigue influenciando con sus poderes. Condicionan nuestro estado de ánimo, nuestra conducta y nuestras actitudes. Todo debido que a la larga esas letras, como las del reggaetón, van quedando impregnadas en nuestros cerebros. Puede parecer que ni las sabemos, que sólo seguimos un ritmo pegadizo y que suena bonito, lo cual nos provoca deseos de bailar, pero hay algo más.

La música activa neuronas y éstas activan sentimientos, emociones, conductas. Al final, esos pensamientos a los que les hemos permitido entrar sin siquiera darnos cuenta pueden afectarnos. Dependerá, en todo caso, qué tipo de escucha seamos. Letras como las reggaetón incitan a la violencia, al sexo fácil… Esto ocurre, sobretodo, en las mentes más inmaduras, con baja autoestima y que ven a los cantantes como “el tipo cool", el ejemplo a seguir. Muchos pretenden emularlos y brillar como ellos en las redes sociales, llevando las letras de sus canciones a la realidad. Todo un peligro porque en ellas se habla de violencia de género, de violación y de sexo.

El colombiano J Balvin, uno de los reggaetoneros más famosos del momento, afirma que “el reggaetón es cultura". Y sí, la música, incluso esta, es cultura. Pero no hay que confundir cultura con el uso del vocablo "persona culta", que se ha usado tanto. La música es cultura, nos imprime, nos guía de un lado a otro, marca épocas, estilos de vestir, de bailar, pero toda esta cultura no definirá a alguien a quien cataloguemos de “culto”. Es más, alguien culto puede ser aquella persona que sabe mucho de la música en su influencia, pero no necesariamente la usa en su vida cotidiana o para educar a otros.

Es interesante la reflexión que hace un artículo del periódico El País (España) sobre la influencia negativa del reggaetón. Sus letras, asociadas con el abuso de sustancias y alcohol, oposición a la autoridad, rebelión, rasgos antisociales, y violencia de género pueden causar mucho daño. Y lo vinculan, principalmente, a un estudio de la Universidad de Helsinki (Finlandia) en donde se advierte que los jóvenes son “especialmente vulnerables a las consecuencias negativas que acarrea la exposición al lenguaje sexual y vejatorio”.

Sin embargo, si intentáramos prohibir a nuestros hijos escuchar determinada música, quizás lograríamos el efecto contrario. Promoveríamos más el morbo, no sólo a escucharla, sino a ser clones de ellas para demostrar que nadie -y menos nuestros padres y/o maestros- les mandan. Deje que las oigan. Es más, comparta con ellos y a veces sepa hacer crítica de manera positiva, es decir resaltando lo bueno y lo no tan bueno.

Bajo ese mismo concepto, sería inútil exigir que las radios restrinjan esas canciones a un horario de protección al menor. O, peor aún, como en Coahuila (México), que intentaron prohibir su difusión en las escuelas y en determinadas estaciones radiales. Creo, más bien, que los padres deben tener al menor informado, comunicado y enseñarles a ser pensantes activos en todo lo que escuchan, ven y leen.

Esto se logra compartiendo todo lo que podamos con nuestros hijos, tratando de no ver escándalos sino la época, la cultura, la moda imperante y compartirlo con claridad, valentía y sinceridad con nuestros hijos o alumnos..... Recuerden también que determinada edad no les hace dueños de la verdad absoluta. Escuche, medite y muchas veces se sorprenderá de las opiniones de los más chicos. Todos tenemos cosas importantes que decir y disentir... Escuchando y dialogando es como enriquecemos nuestras vidas y participamos en otras.  

Acerca de la Dra. Mendoza Burgos
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Titulaciones en Psiquiatría General y Psicología Médica, Psiquiatría infantojuvenil, y Terapia de familia, obtenidas en la Universidad Complutense de Madrid, España.
Mi actividad profesional, desde 1,993, en El Salvador, se ha enfocado en dos direcciones fundamentales: una es el ejercicio de la profesión en mi clínica privada; y la segunda es la colaboración con los diferentes medios de comunicación nacionales, y en ocasiones también internacionales, con objeto de extender la conciencia de la necesidad de salud mental, y de apartarla de su tradicional estigma.
 Fui la primera Psiquiatra infanto-juvenil y Terapeuta familiar acreditada en ejercer dichas especialidades en El Salvador.
Ocasionalmente he colaborado también con otras instituciones en sus programas, entre ellas, Ayúdame a Vivir, Ministerio de Educación, Hospital Benjamín Bloom, o Universidad de El Salvador. He sido también acreditada por la embajada de U.S.A. en El Salvador para la atención a su personal. Todo ello me hizo acreedora en 2007, de un Diploma de reconocimiento especial otorgado por la Honorable Asamblea Legislativa de El Salvador, por la labor realizada en el campo de la salud mental. Desde 2008 resido en Florida, Estados Unidos, donde compatibilizo mi actividad profesional con otras actividades.
La tecnología actual me ha permitido establecer métodos como video conferencia y teleconferencia, doy consulta a distancia a pacientes en diferentes partes del mundo, lo cual brinda la comodidad para mantener su terapia regularmente aunque esté de viaje. De igual manera permite a aquellos pacientes que viven en ciudades donde los servicios de terapeuta son demasiado altos acceder a ellos. Todo dentro de un ambiente de absoluta privacidad.
Trato de orientar cada vez más mi profesión hacia la prevención, y dentro de ello, a la asesoría sobre relaciones familiares y dirección y educación de los hijos, porque después de tantos años de experiencia profesional estoy cada vez más convencida de que el desenvolvimiento que cada persona tiene a lo largo de su vida está muy fuertemente condicionado por la educación que recibió y el ambiente que vivió en su familia de origen, desde que nació, hasta que se hizo adulto o se independizó, e incluso después.
Estoy absolutamente convencida del rol fundamental que juega la familia en lo que cada persona es o va a ser en el futuro.

miércoles, 13 de julio de 2016

Hoy 13 de Julio se celebra el Día mundial del Rock

Por Compartiendo mi opinión
Un día como hoy 13 de julio de 1985 se realizó un festival simultáneo en distintas ciudades, el cual quedó marcado en la historia del Rock y de los grandes conciertos en directo: Live Aid, organizado originariamente en Londres por Bob Geldof, con el objetivo de recaudar fondos en beneficio de los países de África Oriental, en concreto, Sudán, Etiopía y Somalia, con motivo de la terrible hambruna de aquél año. 

Después de una gran sequía entre 1983 y 1985 en la región árida del norte de Etiopía, en la cual se produjo lo que se denominó en ese entonces «el infierno de la tierra», la falta de alimentos y el poco agua que había provocaron una muerte masiva de la población por culpa del hambre que reinaba. 

¿Se imaginan un concierto con Queen, Bob Dylan, Joan Baez, Elton John, George Michael, Madonna, Dire Straits, Bryan Adams, Paul McCartney, The Who, U2, Phil Collins, Sting, Led Zeppelin, Eric Clapton, Tears For Fears, Duran Duran, Judas Priest, Black Sabbath, David Bowie, Mick Jagger, Keith Richards, The Beach Boys, Simple Minds, entre muchos otros? Ese fue el Live AID de 1985.

Además se celebró de forma simultánea en Londres, Inglaterra y Filadelfia, Estados Unidos.

miércoles, 9 de marzo de 2016

9 de Marzo Día Mundial del Disc-Jockey (DJ)

Con información de  Que.es
 Por Patricia García 

Hoy Nueve de Marzo se celebra el Día Mundial del DJ. La Unesco declaró en el año 2002, que cada 9 de marzo se conmemore el Día Mundial del DJ, desde entonces se viene celebrando esté día como un homenaje a este sector de la música que está tan en boga en nuestro tiempo, los cuales aprovechan su 'cumpleaños' para donar lo que cobran estos días a causas benéficas. 

La iniciativa fue llevada a cabo en 2002 por la fundación 'Worl DJ Fund' y de la ONG 'Nordoff Robbins Music Therapy', y se ha mantenido desde entonces. Pero la historia de los “pinchadiscos” tiene unos cuantos años más. 

Para los que aún no saben que es lo que se esconde tras las siglas DJ, un 'disc-jockey' es un músico que crea, selecciona y reproduce ante una audiencia música propia o compuesta por otros artistas. Existen varios tipos, entre ellos los DJ de radio y de club. 

EL PRIMER DJ DE LA HISTORIA
Se considera que el primer DJ de radio del mundo fue Ray Newby, de Stockton, California, en el año 1909.

Newby, con solo 16 años, reproducía discos gracias a la autorización del pionero de la radio Charles 'Doc' Herrold. Pero el término de ‘Disc Jockey’ se lo debemos al comentarista estadounidense Walter Winchell, que en 1935 definió así al locutor de radio Martin Block y constituye toda una anécdota. 

Mientras el público seguía el desarrollo del secuestro de Lindbergh, Block reproducía discos para crear una atmósfera de club de baile donde se tocaba en directo convirtiendo el programa en todo un éxito. 

En el año 1943 tuvo lugar la primera fiesta de baile con DJ en Oxley, Inglaterra, y en 1947 se abre la primera discoteca en París, ‘Whiskey à Go-Go’. Estos locales han estado asociados desde su origen a la reproducción de música grabada y, por tanto, a la figura del DJ. Hacia finales de los años 1950, el Sound system, una nueva forma de entretenimiento, fue desarrollado en los guetos de Kingston, Jamaica. 

Los promotores, que se llamaban a sí mismos DJ, solían organizar grandes fiestas en las calles que estaban centradas en la actividad de un disc-jockey, llamado “selector”, que tocaba música de baile utilizando grandes sistemas amplificados y cantaba sobre la música con un estilo rítmico llamado toasting. 

LA GRAN EXPLOSIÓN DJ

En los años 60 y 70, con la expansión de las discotecas por Europa y EEUU, se dio inicio a la creación de una tecnología específica para esta figura de la música, como el mezclador 'CMA-10-2DL mixer'. También es la época del nacimiento del 'hip-hop' y la música 'disco'. 

En la década de los 80 nos llegan los primeros grandes nombres, considerados DJ de culto, como Larry Levan que pinchaba en el 'Paradise Garage' de Nueva York, o Frankie Knuckles, que con sus mezclas de 'disco' y 'synth pop' dio lugar a la música “house” en el 'Warehouse Club' de Chicago. 

Paralelamente en Detroit nació el 'techno'. Fueron años de gran repercusión para los DJ, que vieron nacer su primera revista específica para profesionales del sector, la 'DJ Times' en el 1988 y celebraron por primera vez un evento exclusivo para pinchadiscos de música electrónica de baile, la 'Winter Music Conference' en el 85 en Florida. 

LOS DJ DE LA ERA DIGITAL

La llegada del movimiento 'rave' en los 90 cambiaron de manera radical la imagen de los DJ y empezaron a proyectarse estos artistas como superestrellas o 'Diva DJ' que establecen sonidos y marcas particulares. 

Estos nuevos 'pinchas' han llegado hasta nuestros días, aprovechando las novedades tecnológicas de la era digital, y ahí tenemos nombres tan famosos como el francés David Guetta, Armin Van Buuren, Tiesto o Bob Sinclar, Pete Tong, Danny Tenaglia, Sasha, Dave Seaman, Seb Fontaine, Paul Oakenfold, Carl Cox, Paul Van Dyk, Tim Westwood y Sister Bliss entre otros que recorren el mundo con sus mezclas. 

sábado, 8 de febrero de 2014

Hace 50 años The Beatles llegaron a EEUU a conquistar el mundo

Tomado de BBC Mundo 


Reciclaje: así conquistaron los Beatles a EE.UU.

El 7 de febrero de 1964, los Beatles desembarcaron en Estados Unidos por primera vez e iniciaron una conquista cultural -bautizada después por los medios como la "invasión británica"- en la cual usaron la propia arma del país conquistado: el rock and roll.

Por Julio García

Una multitud de 4.000 jóvenes los esperaron en Nueva York, en una manifestación de histeria colectiva que nunca antes habían visto los estadounidenses, ni siquiera con el "Rey del Rock", Elvis Presley.

Elvis, originalmente un cantante de música country, "blanqueó" la música de los negros y la popularizó entre la juventud blanca, en una sociedad que por entonces vivía una profunda segregación racial.

Pero los Beatles, que a diferencia del Rey sí eran compositores, fueron más allá: reempaquetaron, reciclaron y mejoraron aquella música y la difundieron en EE.UU., un proceso análogo a la compra de materia prima para revenderla como producto terminado.


 

Raíces


Ahora bien, una de las razones por las cuales ellos empezaron a componer era que todos los grupos de Liverpool tocaban las canciones disponibles en los discos que cruzaban el Océano Atlántico, que no se conseguían en las tiendas, sino directamente de los marineros.

Necesitaban un repertorio original.

Sin embargo, al principio sus creaciones tenían una marcada influencia estadounidense, incluso en el uso de una típica frase como la interjección "yeah, yeah, yeah!".

En Liverpool, a fines de la década de 1950, jovencitos como John Lennon, Paul McCartney, George Harrison y Richard Starkey (nombre verdadero de Ringo Starr) no sólo escuchaban a Elvis, sino que aprendían las versiones originales de los músicos negros estadounidenses como Chuck Berry y Little Richard, que prácticamente inventaron el rock and roll.

También las de músicos blancos -influenciados asimismo por los negros- como Buddy Holly y Carl Perkins, o incluso los Everly Brothers, cuyas armonías fueron decisivas en el estilo de los Beatles.

Esa música resultaba mucho más interesante que la transmitida en la radio local, monopolizada entonces por la BBC, sin mucho que pudiera entusiasmarlos.


Llenar un vacío



La era de la inocencia: la gente tenía acceso a las terrazas de los aeropuertos.

Los Beatles llegaron a EE.UU. en el momento preciso. El país aún no se recuperaba del trauma del asesinato del joven presidente John F. Kennedy, con quien parecían haber muerto las esperanzas de una generación.

Además, Elvis había perdido su encanto y rebeldía originales al alejarse de los escenarios para hacer su servicio militar, comenzando su declive.

Berry estaba preso por haber tenido relaciones con una menor de edad, Richard había abandonado temporalmente la música por la religión, Perkins estaba confinado a presentaciones en Las Vegas y Holly había muerto en el mismo accidente de aviación que Ritchie Valens, el músico de origen mexicano que popularizó "La Bamba".

Cuando en Reino Unido la Beatlemanía -término acuñado por la prensa británica en octubre de 1963- estaba a todo dar, EE.UU. parecía ser un destino imposible.

"EE.UU. lo tiene todo, ¿qué podemos ofrecerle nosotros?", había dicho McCartney, sin imaginarse el impacto que causarían.

La disquera Capitol se negó durante más de un año a distribuir su música, creyendo que se trataba de un fenómeno pasajero.

Pero sucumbió ante la evidencia de la popularidad del grupo gracias a su difusión por la radio y lanzó el sencillo "I Want to Hold Your Hand", el 26 de diciembre de 1963.

El 1 de febrero, mientras los Beatles estaban en París, la canción llegaba al primer lugar de la cartelera estadounidense.

En ese contexto aparecieron en el país, a llenar un vacío con su encanto personal multiplicado por cuatro y con un contrato para presentarse en un programa televisivo sumamente popular, que desde 1949 era visto por millones de estadounidenses todos los domingos en la noche.

 

El show de Ed Sullivan


En su primera presentación, tocaron cinco canciones, incluido el cover "Till There Was You".

Ed Sullivan era el presentador del programa de variedades en el que los Beatles debutaron para la televisión estadounidense.

Sullivan fue testigo de la Beatlemanía en un viaje a Londres y se contactó con el manager del grupo, Brian Epstein. Firmaron un contrato para tres presentaciones en el programa: el 9, el 16 y el 23 de febrero.

La primera, en Nueva York, tuvo una audiencia de 73 millones de personas, algo envidiable para cualquier cadena televisiva en esa época, y en esta, en la que una inmensa variedad de canales y medios que compiten por la atención del público.

En una entrevista incluida en el documental "The Beatles Anthology", George Harrison dijo que "incluso los criminales se quedaron en casa esa noche".

Ese día el grupo interpretó composiciones originales de Lennon y McCartney, dentro de un repertorio matizado con sus covers de canciones estadounidenses.

En el primer show tocaron "All My Loving", "Till There Was You" (composición de Meredith Willson para el musical de Broadway "The Music Man" cantada, entre otras, por Peggy Lee), "She Loves You", "I Saw Her Standing There" y su primer gran éxito en EE.UU., "I Want to Hold Your Hand".

El 11 de febrero dieron su primer concierto en el Washington Coliseum, en la capital, ante 8.000 personas, y el 12 el segundo en el Carnegie Hall de Nueva York, ante 2.000.

En la segunda presentación para el show de Ed Sullivan, realizada en el hotel Deauville de Miami Beach, repitieron cuatro temas y agregaron "This Boy" y "From Me To You". 70 millones de personas sintonizaron el programa.

Para el tercer show, que fue pregrabado, sólo tocaron tres canciones: "Twist and Shout" (composición de Phil Medley y Bert Russell, éxito del trío afroestadounidense The Isley Brothers), "Please Please Me" y "I Want to Hold Your Hand".

Después de su llegada a EE.UU., ese país y el mundo quedaron enamorados de los Beatles, quienes fueron desarrollando su talento como compositores originales y dejando atrás paulatinamente las viejas canciones que los inspiraron.

Más adelante descubrieron -con ayuda de su productor, George Martin- que sus posibilidades eran ilimitadas, embarcándose en una de las experiencias creativas más prolíficas de la historia, cuya influencia se sigue sintiendo medio siglo después.

sábado, 23 de noviembre de 2013

Guatemala orgullosa y de fiesta, Gaby Moreno le da un nuevo Grammy

Tomado de Prensa Libre
Gaby Moreno conquista primer Grammy
Ayer fue un día importante para Guatemala, ya que la cantautora Gaby Moreno se convirtió en la primera connacional en obtener un premio Latin Grammy,  en la categoría Mejor Artista Nuevo.

CIUDAD DE GUATEMALA - “Muchísimas gracias. Qué honor ganar este Grammy”, fueron las primeras palabras de Moreno al recibir el galardón en la 14 entrega de los mayores premios de la música iberoamericana, en  Las Vegas.

“Quiero agradecer a mi familia, a mis hermanas, que vinieron desde Guatemala; a mi esposo, Sebastián; a mi disquera, Metamorfosis; a Ricardo Arjona; y al productor de mi disco”, agregó la compositora de Postales.
Moreno venció  en su categoría a los nominados Leslie Cartaya, A Band Of Bitches, EliaCiM, Clarice Falco, Jesús Hidalgo, Maluma, Mojito Lite, Quattro y Milton Salcedo.
La jazzista, de 32 años, que grabó a dúo con el actor y músico británico Hugh Laurie  —protagonista de la serie House—, se llevó el trofeo gracias a su primera producción en español Postales, el tercero de sus discos.
“Es mi primer Grammy; todavía estoy en shock. No me puedo creer que aquí lo tengo”, dijo a periodistas, claramente  emocionada, según la agencia AFP.
Moreno lució un  largo vestido dorado vintage diseñado por el guatemalteco Guillermo Jop, de Guishem,  y una cinta en la frente con brillantes.
La artistas comentó que su estilo musical sigue “todo lo que sea de la década de 1920”.
REACCIONES

“Gaby es un ejemplo para que todos hagamos las cosas con excelencia y sigamos el camino que nos proponemos, ya que ella se mantuvo fiel a su estilo y no se dejó llevar por las críticas que le decían que cantara música más popular”, dijo a Prensa Libre Lucy Bonilla, madre de la artista.


“Gaby ha tenido nominaciones al Emmy y ha ganado premios importantes, como el John Lennon Songwriting Contest, pero este es más trascendente porque es en su lengua y no había tenido oportunidad de ganar uno de este tipo”, añadió.
“Para ella es muy importante, y como  lo dijo en el escenario, es para Guatemala, ya que toda la vida habla de nuestra tierra y que se siente muy orgullosa de ser chapina”, afirmó Bonilla.
Fiesta musical

Los Latin Grammy se celebraron anoche en Las Vegas,  donde decenas de artistas que interpretan sus temas en español fueron premiados.
El colombiano Carlos Vives conquistó tres Latin Grammy, incluido el de Mejor Canción del Año; Moreno se consagró como Mejor Artista Nueva; y el español Alejandro Sanz ganó su 16  gramófono dorado en la velada.
Otro que consiguió tres galardones fue Sergio George, que se impuso como Productor del Año y además ganó el premio al Mejor Álbum de Salsa, con Salsa Giant, y compartió con Vives el premio al Mejor Tema Tropical  por Volví a nacer.
Draco Rosa recibió el Latin Grammy en la categoría Mejor Álbum del Año por su trabajo Vida.
Las agrupaciones mexicanas de música de banda  Los Recoditos y La Original Banda El Limón empataron en la categoría de Mejor Álbum de Banda.
La gala comenzó con una actuación de Wisin, que llegó en un auto tipo carting al escenario y cantó Que viva la vida.
Pocos minutos después, los mexicanos Jesse & Joy y Mario Domm se apoderaron del escenario para interpretar Llorar, mientras poderosas luces violetas que salían de los paneles laterales contrastaban con el humo blanco que simulaba ser una niebla flotando en el piso.
Cerraron el evento Los Gigantes de la Salsa, entre los que figuran Óscar de León, Willy Chirino y Tito Nieves, entre otros.