Yoko Ono habla sobre John Lenon en el 70 aniversario del Beatle

Tomado de El Clarín

Su viuda Yoko Ono habla de las reediciones que supervisó.

Por James Nicholas Joyce / IFA Especial Para Clarín

Para conmemorar el 70º cumpleaños de John Lennon, Ono está supervisando el lanzamiento de ediciones “re-mastered” de sus álbumes, y también tres nuevas compilaciones que incluyen todo el trabajo del ex Beatle como solista.

Estos lanzamientos son la razón de nuestro encuentro en el Hotel Kempinski Bristol de Berlín, pero la conversación deriva hacia la expresión de un homenaje a su ex marido.

¿Cómo ve usted su relación con la música de John Lennon?

Bueno, John y yo trabajábamos juntos. Double Fantasy (80) iba a ser el comienzo de una serie; después de ese álbum habría otro, y después otro. Pero desdichadamente, él tuvo que... (Vacila y sigue, con voz entrecortada) olvidarse de aquello. De modo que yo sólo sigo con nuestro trabajo juntos; eso es todo.

Aun así, eso podría significar proteger la música o compartirla.

Él no necesita protección. Y yo le permito a la gente hacer cosas con su obra. Pero también podrían hacer algo terrible, ¿quién sabe? Así que en cierto sentido yo protejo su música, para estar segura de que la calidad de su música siga siendo siempre la que él quería.

Usted ha escogido ciertas maneras muy sorprendentes de presentar su música, como por ejemplo “Lennon-The Musical”, mientras que por otra parte no liberó ninguno de los discos hasta 1998, cuando salió la caja llamada “Anthology”.

Soy apenas un ser humano. Sólo puedo esforzarme, tratar de hacer lo que me parece mejor.

¿Está usted descubriendo nuevas facetas en la música al hacer más despojada la mezcla del disco “Double Fantasy”?

Creo que en Double Fantasy traté de no ser radical. Pero también en este caso yo sólo trataba de ser yo misma, lo que significa que tal vez haya un elemento radical en ese trabajo. Mientras que John estaba haciendo un fantástico trabajo: componía canciones que tendrían comunicación con la mayor parte de la gente.

Woman es una excelente canción que transmite un mensaje a todas las mujeres del mundo. Y Starting Over no fue algo sobre John y yo, sino sobre toda una generación.

El señalaba que para todos había llegado el momento de hacer una limpieza. Y que estábamos consiguiéndolo.

Diez años antes de escribir “Starting Over” él había cantado “The dream is over”. De modo que “Starting Over” fue la imagen de aquello en el espejo, el fin de una fase, tal vez.

Como artista plástica y música profesional, puedo aceptarlo, pero en el nivel personal. Es difícil para mí escuchar Starting Over ahora, sabiendo que John moriría dos semanas después. Pero entonces no lo sabíamos. Una canción como I’m Losing You tiene potencia, porque el autor está siendo tan honesto. Por entonces, a la música popular le faltabasinceridad, y él recuperó la honestidad para el pop.

Hasta cuando uno escucha fragmentos, o mezclas, es sorprendente su intensidad. Es un gran intérprete, aun en el estudio de grabación.

El es... era un intérprete increíble. Pero también era un tipo talentoso. Y cuando uno escucha la nueva versión revisada de Double Fantasy , advierte más la voz, que ya no está tan enterrada en el registro; y se nota su manera de decir las cosas.
¿El sentido del humor que estaba presente en ustedes dos es más apreciado hoy, o se lo va olvidando a medida que pasa el tiempo?

Este 70º homenaje de cumpleaños no es un proyecto para la vanidad; sino para transmitir su energía a la generación de los jóvenes. Este proyecto está dirigido al futuro de todo el género humano. La energía no está sólo en el petróleo, ¿no? Todos nos olvidamos de eso. Sus canciones y la forma en que él cantaba no se referían al poder de las notas musicales, sino al poder del espíritu.

¿Qué música cree usted que estarían haciendo juntos hoy, y en qué música cree que se inspiraría John?

Le diré, se inspiraría también por sí mismo. Nosotros no nos inspirábamos tanto en la música de otra gente como en la música que oíamos en nuestros propios cerebros.
Ustedes provenían de culturas muy diferentes. ¿Acaso habrá sido esa diferencia la que les permitió tener tal química en el trabajo? ¿O reconocían similitudes en el otro?

Culturas muy diferentes, así es. Sorprendente ¿no? Pero yo era una persona rebelde de una manera rara, y él también era rebelde. En ese punto coincidimos. Estábamos en la misma página, como se dice ahora.

¿La nueva caja “Gimme Some Truth” fue realizada con las grabaciones que ya conocemos?
No, no, son grabaciones que él aprobó. Pero son remasterizdas. Y hacer remastering es una tarea delicada, pero muy importante. Por eso yo voy a los estudios de Abbey Road y superviso todo eso.

“Gimme Some Truth” divide las pistas en temas rockeros y políticos, y canciones sobre el amor y la vida en general. ¿Se tropieza uno con revelaciones al organizar las canciones de ese modo?

Cada una de sus canciones era algo que salía directamente de su cerebro y su corazón. Las canciones son como piedras preciosas, no se producían en grupos. O sea que lo que estoy haciendo al ordenarlas temáticamente es formar diferentes collares con ellas. El agrupamiento temático no estaba en primer plano cuando él produjo sus canciones.

¿Había más material inédito que podría haber utilizado?

Yo no me asusto de lo que hago. Y a menos de que me detengan, soy capaz de caminar sobre las aguas. Pero éramos apenas seres humanos. La razón por la que la gente quería a John era que él decía Gimme Some Truth ; él era veraz, honesto. Hubo algunos tropiezos en el camino, pero al público le gustaba eso, el poder de la verdad.

Cuando pienso en John y Yoko, pienso en una gran historia de amor. ¿Cree usted que esa historia tuvo un mal comienzo?

Bueno, usted debe recordar que fue una historia de amor entre John y yo, algo que nada tuvo que ver con los hombres en general. O sea que no tuvo un mal comienzo, para nosotros fue espléndida. Tal vez para usted haya tenido un mal comienzo. O tal vez fue eternamente mala.

¿Cuál es actualmente su relación con la música?

Sólo soy yo misma en cada momento. Y a veces puede ser algo desconcertante, pero ésa soy yo. Es completamente natural.

¿Su relación con la música cambió?

Eso tiene más que ver con las colaboraciones que me solicitan y con que yo saque ideas fantásticas de un encargo. Y la mayor parte de los encargos que recibo actualmente están relacionados con el mundo del arte.

John se quejó de que sus canciones no tenían cobertura como las de McCartney. ¿A qué lo atribuye?

Bueno, están Yesterday y Michelle, no se puede competir con eso. Y además, es difícil divulgar las canciones de John porque las letras son tan sensibles y complicadas...

Gimme Some Truth , por ejemplo: ¿quién puede divulgar demasiado una canción política como ésa?

Giuseppe Verdi, su legado a 197 años de su nacimiento

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Giuseppe Verdi
(Roncole, actual Italia, 10 de Octubre de 1813-Milán, 27 de Enero de 1901)

Compositor italiano. Coetáneo de Wagner, y como él un compositor eminentemente dramático, Verdi fue el gran dominador de la escena lírica europea durante la segunda mitad del siglo XIX. Su arte, empero, no fue el de un revolucionario como el del alemán, antes al contrario, para él toda renovación debía buscar su razón en el pasado. En consecuencia, aun sin traicionar los rasgos más característicos de la tradición operística italiana, sobre todo en lo concerniente al tipo de escritura vocal, consiguió dar a su música un sesgo nuevo, más realista y opuesto a toda convención no justificada.

Nacido en el seno de una familia muy modesta, tuvo la fortuna de contar desde fecha temprana con la protección de Antonio Barezzi, un comerciante de Busseto aficionado a la música que desde el primer momento creyó en sus dotes. Gracias a su ayuda, el joven pudo desplazarse a Milán con el propósito de estudiar en el Conservatorio, lo que no logró porque, sorprendentemente, no superó las pruebas de acceso.

Tras estudiar con Vincenzo Lavigna, quien le dio a conocer la música italiana del pasado y la alemana de la época, fue nombrado maestro de música de Busseto en 1836, el mismo año en que contrajo matrimonio con la hija de su protector, Margherita Barezzi. El éxito que en 1839 obtuvo en Milán su primera ópera, Oberto, conte di San Bonifacio, le procuró un contrato con el prestigioso Teatro de la Scala. Sin embargo, el fracaso de su siguiente trabajo, Un giorno di regno, y, sobre todo, la muerte de su esposa y sus dos hijos, lo sumieron en una profunda depresión en la que llegó a plantearse el abandono de la carrera musical.

No lo hizo: la lectura del libreto de Nabucco le devolvió el entusiasmo por la composición. La partitura, estrenada en la Scala en 1842, recibió una acogida triunfal, no sólo por los innegables valores de la música, sino también por sus connotaciones políticas, ya que en una Italia oprimida y dividida, el público se sintió identificado con el conflicto recreado en el drama.

Con este éxito, Verdi no sólo consiguió su consagración como compositor, sino que también se convirtió en un símbolo de la lucha patriótica por la unificación política del país. I lombardi alla prima Crociata y Ernani participaron de las mismas características. Son éstos los que el compositor calificó como sus «años de galeras», en los cuales, por sus compromisos con los empresarios teatrales, se vio obligado a escribir sin pausa una ópera tras otra.

Esta situación empezó a cambiar a partir del estreno, en 1851, de Rigoletto, y, dos años más tarde, de Il Trovatore y La Traviata, sus primeras obras maestras. A partir de este momento compuso sólo aquello que deseaba componer. Su producción decreció en cuanto a número de obras, pero aumentó proporcionalmente en calidad. Y mientras sus primeras composiciones participaban de lleno de la ópera romántica italiana según el modelo llevado a su máxima expresión por Donizetti, las escritas en este período se caracterizaron por la búsqueda de la verosimilitud dramática por encima de las convenciones musicales.

Aida (1871) es ilustrativa de esta tendencia, pues en ella desaparecen las cabalette, las arias se hacen más breves y cada vez más integradas en un flujo musical continuo –que no hay que confundir con el tejido sinfónico propio del drama musical wagneriano–, y la instrumentación se hace más cuidada. Prácticamente retirado a partir de este título, aún llegó a componer un par de óperas más, ambas con libretos de Arrigo Boito sobre textos de Shakespeare: Otello y Falstaff, esta última una encantadora ópera cómica compuesta cuando el músico frisaba ya los ochenta años. Fue su canto del cisne

U2 Celebró su cumpleaños con un concierto en España

Tomado de El País

La banda irlandesa liderada por Bono borda en San Sebastián el esperado regreso a España de su gira '360º'

Por MANUEL CUÉLLAR

"El día 25 de septiembre hizo 34 años que estos tres tipos y yo nos conocimos y montamos esta banda; así que para nosotros, este concierto, es como una especie de cumpleaños". Esta fue una de las primeras frases que Bono, líder del grupo irlandés U2, comunicó a los cerca de 45.000 seguidores que casi llenaron anoche el estadio de Anoeta en San Sebastián. La fiesta de cumpleaños de U2 se convirtió en una especie de metafórico y filosófico homenaje al tiempo.

Antes de saltar al escenario los cuatro componentes de la banda, que según la revista Forbes más dinero ha ganado durante el año pasado (100,4 millones de euros), la enorme pantalla de vídeo que se suspende sobre ellos durante todo el concierto mostraba un sencillo reloj de color verde en el que el segundero y el minutero corrían de una manera endiablada consiguiendo transformar casi dos horas en 30 minutos reales. Y casi sucesivamente todas y cada una de las 23 canciones que interpretaron o comenzaban con imágenes de relojes o hacían referencias al tiempo y al espacio.

"Kaixo!! (hola en euskera), sabemos que estamos en la mítica San Sebastián" gritó Bono, y así comenzó el delirio; de fondo sonaban los acordes de The return of the stingray guitar, una canción nueva con la que el grupo ha estado empezando sus conciertos en este segundo tramo de su gira mundial titulada 360º. Una serie de conciertos que comenzó en el Camp Nou de Barcelona el 30 de junio del año pasado .

"El verano del año pasado vimos nacer a un bebé en Barcelona, en España, y hoy, después de haber recorrido el mundo entero, ese bebé ya se ha convertido en un adolescente", explicó Bono al publico durante la primera parte del concierto. Pero se trata de un adolescente mastodóntico. Hacen falta más de 180 trailers para mover las 390 toneladas que pesan los tres escenarios de esta gira que se reparten por distintas ciudades del mundo.

Pasado, presente y futuro condensados en un mismo instante.
Mientras la garra de San Sebastián acogía al grupo, ya se estaba desmontando la estructura de su anterior actuación en Bruselas y construyendo la de su próxima cita en Sevilla prevista para el día después de la huelga general. Y tanto trajín pasa factura. El adolescente que pudo verse anoche en Donosti padecía ya, al menos, signos de acné. Varias de las 500.000 bombillas led que forman la pantalla de vídeo circular sustentada por una estructura de casi cincuenta metros de altura no funcionaron, de tal forma que gran parte del público veía las enormes imágenes de sus ídolos taladradas por un desagradable parche de color blanco. Aunque los asistentes calificaron el fallo de anecdótico, no deja de ser una muestra de lo currado que está ya este show en el que la banda irlandesa decidió ofrecer casi la misma importancia a la descomunal puesta en escena que a sus maravillosas canciones que les han encumbrado en la cima del rock mundial.

Granos aparte, Bono, The Edge, Adam Clayton y Larry Mullen jr continúan siendo un tren arrollador en directo. Bono demostró que, aunque hayan cumplido 34 años, sigue siendo el líder más carismático -con excepción del desaparecido John Lennon- que ha dado el pop-rock. Es capaz de poner en estado de ebullición a un estadio casi congelado a 11 grados centígrados. Suena Beautiful day, el segundo tema, y ya tiene en el bolsillo al campo de fútbol enterito, pero a esta le sigue el trallazo pseudo punkarra de I will follow y asistimos al primer arrebato de delirio en una noche de dos horas exactas de reinado musical. Su voz está impecable y potente y la derrocha en temas como Mysterious Ways, In a little while y sobre todo en una Miss Sarajevo interpretada casi como si se tratara de una demostración de virtuosismo.

Los coros de The Edge están más presentes que al comienzo de la gira y su guitarra continúa sustentando el directo de U2. Por más carisma que tenga Bono y por más líderes mundiales que conozca o por más abanderado de causas perdidas que sea o que le lleven a ganar alguna vez el Nobel de la Paz, las seis cuerdas de la guitarra de ese genio apodado The Edge demuestran a las claras que U2 sin ellas, no serían nada. Larry Mullen jr lleva, junto al bajista Adam Clayton la sección rítmica dándolo todo y mucho más.

El pasado mes de mayo, Bono tuvo que ser sometido a una intervención quirúrgica por una hernia discal que llevó a la banda a un parón de dos meses y a tener que posponer a 2011 varios de sus compromisos en Estados Unidos. En agosto, el circo de 360º volvió a echarse a andar en Turín y, desde entonces, U2 ha querido enseñar al público algunas de las 30 canciones que dicen tener en la recámara aún sin grabar y que probablemente se conviertan en tres Lps una vez que finalicen su gira el año que viene. Los cuatro temas son 'North Start', Mercy, Glastonbury y Every breaking wave. Anoche, el grupo decidió echar mano de la segunda. El resto del repertorio entró dentro de lo esperado y se centró más en éxitos del pasado que en su anterior visita a Barcelona donde incidieron en su último trabajo No line on the horizont.

Tampoco faltaron las referencias al espacio, el universo y las causas justas que defiende el grupo. Una de las canciones, Walk on, estuvo dedicada a la activista birmana Aung Suu Kyi de la que Amnistía Internacional pide que sea liberada del arresto domiciliario al que la tiene sometida el gobierno de su país desde 1989. Varios voluntarios de la organización pacifista portaron focos que fueron colocando en la pasarela circular que rodea los 360º del escenario de U2.

El infalible himno Where the streets have no name puso fin a una noche que el público donostiarra vivió con entrega después de haber asistido a un concierto más que correcto ofrecido por los neoyorquinos Interpol y unos arrolladores U2. Como postre, y por si a alguien le cabía alguna duda de la recuperación total de Bono, el cantante acabó columpiándose de un micrófono circular que había bajado desde el interior de la especie de nave espacial que han construído para esta gira mientras cantaba Hold me, Thrill me, kiss me. Todo bañado en sudor de las continuas carreras y bailes que se pega durante las dos horas de fiesta de cumpleaños en las que siguen demostrando que 34 años después, todavía les queda mucho carrete.

La poesía del viernes, Corazón por Meira Delmar

Por Luis Montes Brito

Meira Delmar
1924-2009

Poetisa costeña (Barranquilla, 1924). Su nombre real es Olga Chams Eljach, hija de padres libaneses. Estudió letras en Roma y música en el conservatorio Pedro Biava de la Universidad del Atlántico. Fue profesora de historia del arte y literatura. Ha sido por varios años directora de la Biblioteca Pública Departamental del Atlántico.

Es el nombre femenino más destacado de la poesía colombiana de influencia piedracielista. Su obra posee una gran musicalidad interior, recurre con frecuencia a temas sobre el mar y su universo, el amor y los clásicos griegos. Según sus palabras: Nadie sobrevivirá, excepto lo que dejamos en la poesía.

Meira Delmar logra a través de un lenguaje elaborado y claro, no confundirse con la norma verbal de su época, para traducir su alma en una poesía más clarividente y más ensimismada, aunque navegante, como ola escapada de su mar de fondo, según palabras del crítico Ramiro Lagos.

Meira Delmar es una poetisa tradicional, en el sentido que a la palabra "tradición" da el poeta Ezra Pound: Tradición no significa ataduras que nos liguen al pasado: es algo bello que nosotros conservamos. Romántica, si por romanticismo ha de entenderse esa entrega del alma a la naturaleza; nueva, si por nueva se tiene a la poesía libre de sensiblerías.

En su poesía hay una angustia vital que recorre permanentemente su voz, dice Ignacio Reyes Posada. El amor presente en su poesía es el amor inalcanzable, está presente sin estarlo.

Meira Delmar ha publicado Alba del olvido (1942), Sitio de amor (Barranquilla, 1944), Verdad del sueño (Barranquilla, 1946), Secreta isla (Barranquilla, 1951), Sus mejores versos (antología, Buenos Aires, 1957), Poesía (antología bilingüe en italiano y español, Siena, 1970) y Huésped sin sombra (Bogotá, 1971).

Falleció en Barranquilla el 18 de Marzo de 2009.

Como dato curioso pudiéramos decir que los genes de la vocación artística de la mundialmente conocida cantante Shakira vienen heredados de Meira Delmar quien es tía-abuela de la talentosa y curvilínea compositora e intérprete.

Disfrute de la poesía Corazón de Deira Delmar escuchando la linda interpretación de la sobrina-nieta de la poestisa, la mundialmente conocida Shakira y su tema "Tú"

Corazón

Por Meira Delmar

(Del libro Verdad del sueño)

Este es mi corazón. Mi enamorado

corazón, delirante todavía.

Un ángel en azul de poesía

le tiene para siempre traspasado.

En él, como en un río sosegado,

el cielo es de cristal y melodía.

Y a su dulce comarca llega el día

con un paso de niño iluminado.

Este es mi corazón. La primavera

que inaugura las rosas, vana fuera

sin su espejo de gozo repetido.

Y vano el tiempo del amor, que mueve

las alas de los sueños, y conmueve

la sangre con su canto sostenido.

Instante

Por Meira Delmar

Ven a mirar conmigo

el final de la lluvia.

Caen las últimas gotas como

diamantes desprendidos

de la corona del invierno,

y nuevamente queda

desnudo el aire.

Pronto un rayo de sol

encenderá los verdes

del patio,

y saltarán al césped

una vez más los pájaros.

Ven conmigo y fijemos el instante

-mariposa de vidrio-

en esta página.

La poesía del viernes, NOCTURNO A ROSARIO por Manuel Acuña

Por Luis Montes Brito

Manuel Acuña Narro
(1849 - 1873)

Médico y poeta, nació en la ciudad de Saltillo, Coahuila, el 27 de agosto de 1849. Vivió en una época en que la sociedad mexicana era dominada por una intelectualidad filosófico-positivista, además de una tendencia romántica en la poesía. Hijo de Francisco Acuña y Refugio Narro. Recibió de sus padres las primeras letras. Estudia posteriormente en el Colegio Josefino de la ciudad de Saltillo y alrededor de 1865 se trasladó a la México, donde ingresó en calidad de alumno interno al Colegio de San Ildefonso, donde estudia Matemáticas, Latín, Francés y Filosofía.

Posteriormente, en enero de 1868 inicia sus estudios en la Escuela de Medicina. Fue un estudiante distinguido aunque inconstante. Cuando muere, en 1873 sólo había concluido el cuarto año de su carrera. En los primeros meses de sus estudios médicos vivía en un humilde cuarto del ex-convento de Santa Brígida, de donde se trasladó al cuarto número 13 de corredor bajo del segundo patio de la Escuela de Medicina, el mismo, que años antes habitara otro infortunado poeta mexicano, Juan Díaz Covarrubias.Allí se reunían muchos de los escritores jóvenes de la época, Juan de Dios Peza, Manuel M. Flores, Agustín F. cuenca, Gerardo M. Silva, Javier Santamaría, Juan B. Garza, Miguel Portilla, Vicente Morales y otros. Allí fue donde, una tarde de julio de 1872, algunos de los poetas del grupo inscribieron sobre un cráneo, como sobre un álbum, pensamientos y estrofas.

En 1868 inició Acuña su breve carrera literaria. Dióse a conocer con una elegía a la muerte de su compañero y amigo Eduardo Alzúa. En el mismo año, impulsado por el renacimiento cultural que siguió al triunfo de la República, participó, junto con Agustín F. Cuenca y Gerardo Silva, entre otros intelectuales, fundando la Sociedad Literaria Nezahualcóyotl, en el seno de la cual dio a conocer sus primeros versos. Los trabajos presentados en la sociedad publicáronse en la revista "El Anáhuac" (México 1869) y en un folletín del periódico La Iberia intitulado Ensayos literarios de la Sociedad Nezahualcóyotl. Este folleto puede considerarse como una de las obras de Acuña, ya que contiene, además de trabajos de otros escritores, once poemas y un artículo en prosa suyos.

Tenía 24 años y había probado ya la miel de la gloria el 9 de mayo de 1871... En esa fecha se estrenó "El Pasado", drama de su inspiración que recibió una buena acogida por parte del público. Además la crítica ya le había reconocido un sitio destacado como poeta. Rosario de la Peña fue la mujer que estuvo más íntimamente ligada a sus últimos años, fue el gran amor de su vida y según parece, pesó tanto en su ánimo que mucho tuvo que ver con su trágica muerte. De hecho, el atractivo de esta mujer queda reservado como uno de los misterios de la historia, pues fue ella la misma Rosario que despertó por igual la desesperada pasión de Acuña, el deseo de Flores, la senil adoración de Ramírez y el cariño devoto de Martí.

Los extremos poéticos de estos cuatro hombres de letras eran motivo de satisfacción y halago para ella, cuya casa era frecuentemente convertida en tertulia donde cada uno exponía sus nuevos versos, se hablaba y debatía de filosofía o de bibliografía.

Manuel Acuña fue un apasionado de Rosario de la Peña. Su inmenso y desenfrenado amor por ella fue la causa, o al menos la razón mejor fundamentada, de que quedara trunca su existencia cuando ya en los círculos intelectuales era reconocido su genio, su calidad como escritor y nadie dudaba de su exitoso futuro.

¿Qué era lo que pasaba por su mente o por su atribulado corazón aquel 6 de diciembre de 1873? Es un secreto que se llevó a la tumba luego de ingerir cianuro de potasio para cortar su existencia. El cadáver del poeta, de cuyos cerrados ojos, se dice, estuvieron brotando lágrimas según él mismo lo había anticipado:

"como deben llorar en la última hora
los inmóviles párpados de un muerto"

Fue velado por sus amigos en la Escuela de Medicina, fue sepultado el día 10 de diciembre en el Cementerio del Campo Florido, con la asistencia de representaciones de las sociedades literarias y científicas, además de "un inmenso gentío" Las elegías y oraciones fúnebres con que se honró su memoria fueron nutridísimas destacándose las de Justo Sierra, que expresó con singular fortuna, en la primera estrofa de su poema, el sentimiento de dolorosa pérdida que experimentaba la concurrencia:

Palmas, triunfos, laureles, dulce aurora
de un porvenir feliz, todo en una hora

de soledad y hastío
cambiaste por el triste derecho de morir, hermano mío.

Hablaron también Juan de Dios Peza, su gran amigo, Gustavo Baz y Eduardo F. Zárate, entre otros.

Posteriormente sus restos fueron trasladados a la Rotonda de los Hombres Ilustres del Cementerio de Dolores, donde se le erigió un monumento. En octubre de 1917, el estado de Coahuila reclamó las cenizas de Acuña que, tras de haber sido honradas con una ceremonia en la Biblioteca Nacional, fueron trasladadas a Saltillo, su ciudad natal, donde el escultor Jesús E. Contreras había realizado un notable grupo escultórico a la memoria del poeta.

De entre los versos de Manuel Acuña es bien conocido el "Nocturno" (dedicado justamente a su amada Rosario, que ha pasado de generación en generación como un canto al amor y al desengaño), o "Ante un Cadáver", que representa toda una reflexión acerca de la vida y la muerte desde el punto de vista de la materia misma y su transformación.

Manuel Acuña destacó durante su juventud, pero privó a los amantes de la poesía de ver su evolución y comprobar que estaba destinado a ser uno de los grandes en las letras mexicanas.

Lea el sentido poema NOCTURNO A ROSARIO de Manuel Acuña, preambulo de su suicidio a los 24 años de edad por causa de este fatal amor con una mujer casada, escuchando la composición de Armando Manzanero, interpretada por Luis Miguel, Bolero que lleva el nombre de Como yo te Amé.

NOCTURNO A ROSARIO
por Manuel Acuña

Pues bien, yo necesito
decirte que te adoro,
decirte que te quiero
con todo el corazón;
que es mucho lo que sufro,
que es mucho lo que lloro,
que ya no puedo tanto,
y al grito que te imploro
te imploro y te hablo en nombre
de mi última ilusión.

De noche cuando pongo
mis sienes en la almohada,
y hacia otro mundo quiero
mi espíritu volver,
camino mucho, mucho
y al fin de la jornada
las formas de mi madre
se pierden en la nada,
y tú de nuevo vuelves
en mi alma a aparecer.

Comprendo que tus besos
jamás han de ser míos;
comprendo que en tus ojos
no me he de ver jamás;
y te amo, y en mis locos
y ardientes desvaríos
bendigo tus desdenes,
adoro tus desvíos,
y en vez de amarte menos
te quiero mucho más.

A veces pienso en darte
mi eterna despedida,
borrarte en mis recuerdos
y huir de esta pasión;
mas si es en vano todo
y mi alma no te olvida,
¡qué quieres tú que yo haga
pedazo de mi vida;
qué quieres tú que yo haga
con este corazón!

Y luego que ya estaba?
concluido el santuario,
la lámpara encendida
tu velo en el altar,
el sol de la mañana
detrás del campanario,
chispeando las antorchas,
humeando el incensario,
y abierta allá a lo lejos
la puerta del hogar...

Yo quiero que tú sepas
que ya hace muchos días
estoy enfermo y pálido
de tanto no dormir;
que ya se han muerto todas
las esperanzas mías;
que están mis noches negras,
tan negras y sombrías
que ya no sé ni dónde
se alzaba el porvenir.

¡Que hermoso hubiera sido
vivir bajo aquel techo.
los dos unidos siempre
y amándonos los dos;
tú siempre enamorada,
yo siempre satisfecho,
los dos, un alma sola,
los dos, un solo pecho,
y en medio de nosotros
mi madre como un Díos!

¡Figúrate qué hermosas
las horas de la vida!
¡Qué dulce y bello el viaje
por una tierra así!
Y yo soñaba en eso,
mi santa prometida,
y al delirar en eso
con alma estremecida,
pensaba yo en ser bueno
por ti, no más por ti.

Bien sabe Díos que ése era
mi más hermoso sueño,
mi afán y mi esperanza,
mi dicha y mi placer;
¡bien sabe Díos que en nada
cifraba yo mi empeño,
sino en amarte mucho
en el hogar risueño
que me envolvió en sus besos
cuando me vio nacer!

Esa era mi esperanza...
mas ya que a sus fulgores
se opone el hondo abismo
que existe entre los dos,
¡adiós por la última vez,
amor de mis amores;
la luz de mis tinieblas,
la esencia de mis flores,
mi mira de poeta,
mi juventud, adiós!

Mujeres latinoamericanas responden a vituperios de Chavez en contra de Condoleezza Rice

Por Luis Montes Brito
Recientemente, con la frase “Así es como se frena a un demente!” como preámbulo, recibí en diferentes correos provenientes todos de respetables señoras hispanas residentes en Long Island, la siguiente carta atribuida su autoría a la Doctora Condoleezza Rice, anterior Secretaria de Estado de los Estados Unidos de América.

Francamente hablando, yo no puedo dar fe de la autoría de la misma, sin embargo he sido testigo al igual que millones de personas de los múltiples vituperios que el dictador venezolano profirió contra la señora Rice.

Chávez en un intento burdo de causar hilaridad emitió sus comentarios públicamente generando el efecto contrario al deseado, pero creo que eso no le preocupa a él ya que su narcicismo, su embrutecimiento con el poder y su falta de sensibilidad evidentemente le impiden la capacidad de razonar.

Independientemente de la certeza de la autoría de la carta, la misma tiene un objetivo de reivindicación a la mujer y a cualquier ser humano que haya sido insultado. Esa es la intención de las señoras que están distribuyendo el correo electrónico. Ciertamente todas las mujeres, así como millones de hombres, nos sentimos ofendidos por los injuriosos comentarios del aprendiz de dictador bolivariano. Nadie debe ser ridiculizado por motivos de género, raza o credo.

Dejo con usted a continuación la bofetada con guante de seda asestada al majadero presidente venezolano, en la carta atribuida a la Doctora Condoleezza Rice.

Traducción y Versión libre de Gustavo Coronel

Sr. Presidente Chávez:

Había estado esperando mi salida del gobierno, a que transcurriese un tiempo prudencial para enviarle esta misiva. Aunque desde el punto de vista geopolítico sus expresiones desconsideradas contra mi persona fueron deleznables, por lo cual no fueron respondidas oficialmente, no puedo negar que me produjeron malestar. Ningún ser humano puede dejar de molestarse cuando alguien se refiere a él o ella en términos procaces y desconsiderados. En el caso que nos ocupa ello estaba magnificado por el hecho de que: (1) usted era el presidente de un país con el cual mi país tiene relaciones diplomáticas; (2, usted violó el viejo dicho español que reza: “a la mujer, ni con el pétalo de una rosa”y, (3), sus comentarios tenían un componente racista que en mi país es ya definido como “politicamente incorrecto”, pero que usted aún practica con entera impunidad en el suyo.


Se refirió usted a mi escasa cultura y a una pretendida atracción que yo sentiría por usted. En primer lugar, debo decirle que anoche tuve el honor de tocar con la Orquesta Sinfónica de Filadelfia, como solista, el concierto número 20 para piano de Wolfang AmadeusMozart, KV.466 (sabe usted el significado de KV? No lo creo). Soy una de las más destacadas concertistas no-profesionales de los Estados Unidos. Estudié piano al mismo tiempo que me graduaba de politóloga en la Universidad de Denver. Y usted, Sr. Chávez? Me dicen que aparte de haber sido un estudiante mediocre de la Escuela Militar de Venezuela, aparentemente el refugio de quienes no dan la talla en la universidad, usted no tuvo otra educación formal. Parece ser que ello es la razón por la cual insiste en que 8x7=52 y que el hombre llegó al planeta Tierra hace 2000 años. Sin olvidar que su ortografía parece dejar bastante que desear. Sus pomposas citas son cursilonas y con frecuencia inexactas. Fíjese que solo es ahora que le digo esto, ya que jamás le hubiera echado a usted en cara su incultura y patanería, a no haber mediado su agresión a mi persona.

En segundo lugar, no creo que sentiría atracción por alguien como usted. No me refiero a su aspecto físico, el cual ciertamente no es de concurso sino, digamos, simplemente sub-standard. Me refiero a sus maneras, a la pobre calidad de su lenguaje y a la agresividad que muestra hacia el sexo femenino. Estoy informada de su manera de tratar a su ex-esposa, hasta en público, de sus ofertas machistas por televisión acerca de ‘darle lo suyo” y de la violencia que usted utilizó contra las mujeres con quienes tuvo relación en el pasado. Afortunadamente hoy no se le conoce relación con fémina alguna, excepto alguna que otra zalamería ocasional hecha a algún travestís brasileños. Por ello no podría sentir atractivo alguno por alguien que, más bien, me causa repulsión. Tampoco me sentiría muy a gusto con alguno de sus acólitos, llámese Cabello o Istúriz, apenas marginalmente más aceptables.

Usted se mofó de mi nombre, Condoleezza, relacionándolo con condolencias y tristeza. No es tal cosa, Sr. Chávez. Mi nombre es derivado de la expresión musical italiana “con dolcezza”, es decir, con dulzura. Se lo explico porque es evidente que sin esa explicación usted no tendría la menor idea de su verdadero significado. Los idiomas no son su fuerte, como lo recuerdo bien de su intento de insultar al Presidente Bush en una curiosa versión del idioma Inglés, algo que sonaba como “iu ar a donki”.

He tenido la suerte de llegar a los más altos niveles del gobierno de mi país debido a mi formación intelectual. No me hice notoria liderando un golpe de estado sangriento que dejó más de 200 venezolanos muertos, algo de lo cual usted se ha jactado, al decir “yo si estuve en un golpe, echando plomo de verdad”. En mi país generalmente (hay excepciones) la gente intelectualmente sólida entra al gobierno buscando reconocimiento y no tiene necesidad de robar. Entiendo que en regímenes como el suyo, ustedes llegan al poder sin muchas credenciales intelectuales y lo usan para enriquecerse o, como dicen algunos, “para comer completo”. Fíjese que no compartimos filosofías de la vida y que mientras yo toco a Mozart con la Orquesta Sinfónica de Filadelfia usted canta rancheras mexicanas a capella, es decir, a palo seco. Mientras yo doy conferencias en las universidades usted cuenta sus peripecias peristálticas, sus retortijones en un túnel.

Bien,

creo haber puesto las cosas en su sitio. Usted ha elegido su camino, junto a los estados forajidos y grupos terroristas y narcotraficantes del planeta. Esa ha sido su decisión. Pero ella lleva consigo responsabilidad indelegable. Usted ha podido ser un discípulo de Mandela y eligió ser un discípulo de Mugabe. Ha podido sentirse orgulloso de Jose Maria Vargas y decidió sentirse orgulloso de Ezequiél Zamora. Usted eligió su camino. Su régimen terminará, como decía T.S. Eliot (un poeta de mi país, Sr. Chávez) acerca del fin del universo: “no con una conmoción sino con un susurro”. No tendrá donde esconderse.

A continuación dejo con ustedes el el concierto número 20 para piano de Wolfang Amadeus Mozart, Köchel Verzeichnis (KV) 466, el mismo que ejecutara la Doctora Rice como solista en compañía de la Orquesta Sinfónica de Filadelfia, la noche antes de escribir la carta al grosero comandante Chávez.

La poesía del viernes, CANCIÓN DE LA DONCELLA DEL ALBA por Efraín Huerta

Por Luis Montes Brito

EFRAÍN HUERTA
(1914 - 1982)

Nació en Guanajuato el 18 de junio de 1914; murió en 1982. Hizo sus primeros estudios en León y Querétaro. En la ciudad de México cursó la preparatoria y los primeros años de la carrera de leyes. Fue periodista profesional desde 1936 y trabajó en los principales periódicos y revistas de la capital y en algunos de provincia. Fue también crítico cinematográfico.

Perteneció a la generación de Taller ¡1938-1941), revista literaria que agrupó entre otros, a Octavio Paz, Rafael Solana y Neftalí Beltrán. Viajó por los Estados Unidos y Europa. El gobierno de Francia le otorgó en 1945 las Palmas Académicas. En 1952 visitó Polonia y la Unión Soviética.

Dentro del grupo que integró la generación de Taller, Efraín Huerta se distinguió por su sana conciencia lírica, por su apasionado interés por la redención del hombre y el destino de las naciones que buscan en su organización nuevas normas de vida y de justicia. Sus primeros libros: Absoluto amor y Línea del alba están incluidos en Los hombres del alba, además de su obra publicada en revistas hasta 1944. El amor y la soledad, la vida y la muerte, la rebeldía contra la injusticia, su lucha contra la discriminación racial, la música de los negros, la política y la ciudad de México, son los temas más frecuentes de su poesía. Recibió el Premio Nacional de Poesía en 1976.

"Efraín Huerta es uno de los poetas más importantes del siglo veinte en América Latina. Su exquisito manejo del arte poética aunado a su vitalidad expresiva lo convierten en uno de los epígonos de su generación. Es un poeta de ruptura; inmerso en su transcurrir histórico no duda en utilizar las técnicas neo-vanguardistas en forma magistral, creando espacios que no habían sido descubiertos en la expresión poética. Inmerso en una "estética de la impureza" , contrapuesta a la "poesía pura". Efraín Huerta se consideraba "el orgullosamente marginado, el proscrito", comprometido, como todo artista auténtico, con su propia conciencia. El poeta de la rebeldía, cuya obra recupera cada vez más la fuerza expresiva al paso del tiempo, es también el poeta del amor.

Su poesía tiene muchas vertientes y nos ofrece innumerables lecturas, bebamos aquí de la vertiente luminosa de su amor, de la patria de su corazón y de su juventud que lo llevó a trascender su generación cronológica como uno más de los poetas nacidos décadas después. Es el suyo un caso extraño por su constante ruptura con los moldes y por eso falta la distancia para comprenderlo en su justa medida y trascendencia dentro de la historia literaria del siglo veinte".

Disfrute de la poesía, CANCIÓN DE LA DONCELLA DEL ALBA, por Efraín Huerta, escuchando y por qué no? cantando, la bella canción "Up where we belong" traducido como "Al lugar que pertenecemos" interpretada por Joe Cocker y Jennifer Warnes. Tema musical de 1982 de la película An Officer and a Gentleman protagonizada por Richard Gere, Debra Winger y Louis Gossett Jr., ganadora de los oscares a la mejor música original y al mejor actor (Gossett Jr.), también nominada a 6 Oscares más. Que la disfrute

CANCIÓN DE LA DONCELLA DEL ALBA
(Para Thelma)
Por Efraín Huerta

Se mete piel adentro
como paloma ciega,
como ciega paloma
cielo adentro.

Mar adentro en la sangre,
adentro de la piel.
Perfumada marea,
veneno y sangre.

Aguja de cristal
en la boca salada.
Marea de piel y sangre,
marea de sal.

Vaso de amarga miel:
sueño dorado,
sueño adentro
de la cegada piel.

Entra a paso despacio,
dormida danza;
entra debajo un ala,
danza despacio.

Domina mi silencio
la voz del alba.
Domíname, doncella,
con tu silencio.

Tómame de la mano,
llévame adentro
de tu callada espuma,
ola en la mano.

Silencio adentro sueño
con lentas pieles,
con labios tan heridos
como mi sueño.

Voy vengo en la ola,
coral y ola,
canto canción de arena
sobre la ola.

Oh doncella de paz,
estatua de mi piel,
llévame de la mano
hacia tu paz.

Búscame piel adentro
anidado en tu axila,
búscame allí,
amor adentro.

Pues entras, fiel paloma,
pisando plumas
como desnuda nube,
nube o paloma.

Debo estar vivo, amor,
para saberte toda,
para beberte toda
en un vaso de amor.

Alerta estoy, doncella
del alba; alerta
al sonoro cristal
de tu origen, doncella.

La poesía del viernes, A unos ojos, por D. Ramón de Campoamor

Por Luis Montes Brito

D. Ramón de Campoamor

(1817-1901)

Ramón de Campoamor y Campoosorio nació en Navia, pequeño municipio del Principado de Asturias, (España), un miércoles 24 septiembre de 1817. El mismo año en el que nació también el poeta vallisoletano José Zorrilla, autor del inmortal "Don Juan Tenorio".

Su padre, un modesto campesino y su madre una rica hacendada de aquel concejo que agrupa varias pequeñas villas, bajo la típica organización de los municipios asturianos. Creció Ramón protegido por los esmerados cuidados de una rica y soltera hermana de su madre, la cual se encargó de dar al niño los estudios primarios, que cursó en un pazo que ésta poseía en Piñera, una de las pequeñas villas que conforman el concejo de Navia. A los 9 años comienza sus estudios secundarios que cursa en la villa de Puerto de Vega, también perteneciente al mismo concejo; allí transcurre su adolescencia.

Fue educado conforme a los gustos y costumbres de entonces, consistentes en una enseñanza y prácticas de religiosidad a ultranza, acompañada en plano más secundario, del estudio de latín y de las otras materias propias de una cultura general. El clero ejercía una enorme influencia en la educación, tanto privada y privilegiada de las clases acomodadas, como en la más precaria, la pública.

De la forma en que le enseñaron a Campoamor el catolicismo en la escuela, guarda de mayor un mal recuerdo que no logra alejar de su mente; tanto le caló y traumatizó aquel tipo de enseñanza sufrido en su infancia. Relata de mayor, refiriéndose a los castigos y los miedos que le infundieron durante su infancia, que "el infierno del Dante era un mal aprendiz en comparación con los retorcidos inventos de castigos infernales que me metían los clérigos enseñantes en mi tierna y sensible cabecita infantil. Todo el curso de mis primeros años ha sido un sueño tenebroso, del cual creo que todavía no he acabado de despertar".

Cursó estudios de filosofía en Santiago de Compostela; de lógica y matemáticas, en Madrid. A los 18 años se traslada a Torrejón de Ardoz (Madrid) en su pretensión de ingresar en el seno de la Compañía de Jesús. Poco tiempo después, probada ya su incapacidad y falta de vocación para adoptar los hábitos religiosos, e inducido por su familia, se matricula en la universidad madrileña en la facultad de medicina.

Poco duró también esta su segunda experiencia vocacional, ya que el asco y la nausea que le produce el espectáculo de los cadáveres sobre la mesa de disección, le convencen nuevamente de lo equivocado de su decisión. Allí en la facultad de medicina, en el primer curso, conoce a un catedrático muy observador que le aconseja con vehemencia dedicarse a la literatura, pues cree descubrir en el joven una natural aptitud hacia las letras, mucho más que para las ciencias.

A los 20 años publica su primera obra impresa, se trata de una comedia en dos actos titulada "Una mujer generosa" la cual no se tiene referencia alguna que se llegara a estrenar en teatro. Sus primeros versos de tono romántico los publica también en ese mismo año, 1838. Aparecen impresos en un libro bajo el título de "Ternezas y flores".

Dos años después publica otro libro de poesías: "Ayes del alma". En 1846 se publica la primera edición de "Doloras" obra que le proporcionó una gran popularidad de joven y prometedor poeta. También ven la luz, por aquel tiempo, los libros titulados "Pequeños poemas" y "Humoradas". A partir de entonces, alterna su inclinación vocacional por la poesía, con sus ideas políticas que consistían en un gran fervor hacia la reina Isabel II en particular, y en general, hacia la forma monárquica de organización del estado español. Se afilia al partido moderado.

Con 30 recién cumplidos años, es nombrado gobernador civil de la provincia de Castellón. Durante el ejercicio de este cargo, se propuso hacer obligatoria la educación primaria dentro del territorio de aquella provincia. Apenas tiene tiempo de intentar su propósito cuando se ve trasladado al gobierno de la levantina provincia hermana de Alicante. Allí casa con Guillermina o'Gorman, una joven dama de acomodada familia irlandesa afincada en Alicante; una devotísima católica, de cuya unión no hubo descendencia.

Luego, en el periodo comprendido entre los años 1851 y 1854 ejerce el mismo cargo de gobernador en la provincia de Valencia.Desde el año 1850 había sido elegido para ocupar un escaño en el Congreso de Diputados e interviene activamente en la vida pública, ya desde el Congreso, ya en polémicas tertulias y campañas periodísticas. A consecuencia de su encendida defensa del sistema monárquico, llegó a batirse en duelo con el marino español (nacido en México), Juan Bautista Topete Carballo, que años más tarde sobresalió en la célebre insurrección que arrojó del trono a Isabel II en 1868. Todo aquello fue el preludio del advenimiento de la 1ª República española, que llegaría cinco años más tarde.

En 1861 es designado como miembro de la Real Academia de la Lengua Española, ocupando el sillón E. También fue senador en los últimos años de su vida y llegó a ser muy conocido y admirado dentro de España y en toda Hispanoamérica. Por entonces sucedíanse a menudo las reediciones de todos sus libros de poesía. En aquellos tiempos, debido a la ocurrencia del gran poeta Rubén Darío, varios hombres de letras españoles, intentaron convencerlo para que aceptara ser coronado de laurel en solemne acto, a lo que Campoamor se opuso con tozudez.

Su negativa la argumentaba en que no quería ya, a aquella avanzada edad, vivir emociones tan fuertes que aceleraran el momento de su muerte. En Madrid, un gélido domingo de febrero (11-02-1901) fallece don Ramón de Campoamor, a la edad de 83 años.

Disfrute del poema A UNOS OJOS escuchando la preciosa melodía el Tema de Amor de la película Cinema Paradiso interpretada por el Tenor Estadounidense Josh Groban.

A unos ojos
D. Ramón de Campoamor

Más dulces habéis de ser,
si me volvéis a mirar,
porque es malicia, a mi ver,
siendo fuente de placer,
causarme tanto pesar.

De seso me tiene ajeno
el que en suerte tan crüel
sea ese mirar sereno
sólo para mí veneno,
siendo para otros miel.

Si crüeles os mostráis,
porque no queréis que os quiera,
fieros por demás estáis,
pues si amándoos, me matáis,
si no os amara, muriera.

Si amando os puedo ofender,
venganza podéis tomar,
porque es fuerza os haga ver
que o no os dejo de querer,
o me acabáis de matar.

Si es la venganza medida
por mi amor, a tal rigor
el alma siento rendida,
porque es muy poco una vida
para vengar tanto amor.

Porque con él igualdad
guardar ningún otro puede;
es tanta su intensidad,
que pienso ¡ay de mí! que excede
vuestra misma crüeldad.

¡Son, por Dios, crudos azares
que me dén vuestros desdenes
ciento a ciento los pesares,
pudiendo darme a millares,
sin los pesares, los bienes!

Y me es doblado tormento
y el dolor más importuno,
el ver que mostráis contento
en ser crudos para uno,
siendo blandos para ciento.

Y es injusto por demás
que tengáis, ojos serenos,
a los que, de amor ajenos,
os aman menos, en mas,
y a mí que amo más, en menos.

Y es, a la par que mortal,
vuestro lánguido desdén
¡tan dulce... tan celestial!...
que siempre reviste el mal
con las lisonjas del bien.

¡Oh, si vuestra luz querida
para alivio de mi suerte
fuese mi bella homicida!
¡Quién no cambiara su vida
por tan dulcísima muerte!

Y sólo de angustias lleno,
me es más que todo crüel,
el que ese mirar sereno,
sea para mí veneno,
siendo para todos miel.

Las finanzas de Michael Jackson a un año de su deceso

Tomado del Wall Street Journal

Por Ethan Smith

Casi un año después de la muerte de Michael Jackson, los administradores de su herencia han logrado estabilizar su precaria situación financiera, pero al menos un pasivo significativo sigue pendiente de resolución: un préstamo de US$300 millones que se vence a fines de año.

Gracias al renovado interés de los fans tras su muerte, Jackson generó un ingreso póstumo estimado de US$200 millones, lo que permitió que los albaceas pagaran millones de dólares en deuda y evitaran el embargo del complejo residencial donde vive la madre del artista.

Desde la muerte de Jackson el 25 de junio de 2009, su herencia ha sido administrada por el abogado del cantante, John Branca, y un veterano de la industria musical y amigo personal del artista, John McClain. Los herederos principales son los tres hijos del cantante y su madre de 80 años, Katherine, quien tiene la patria potestad sobre los niños.

Con el dinero de pasadas ventas musicales y adelantos garantizados por ventas futuras, regalías por derechos musicales, la venta de los derechos de una película y otros acuerdos de licencia, los administradores han logrado pagar cerca de US$200 millones de los US$500 millones en deuda que el cantante había acumulado para financiar su extravagante estilo de vida.

Los albaceas han recaudado hasta US$125 millones en regalías y avances de Sony Music, de Sony Corp., sello que ha vendido 31,5 millones de discos de Jackson desde su muerte y en noviembre planea sacar un disco con canciones inéditas del artista. Sony Pictures, por su parte, pagó US$60 millones por los derechos de This is it, el documental sobre los ensayos de una serie de conciertos planeados por Jackson justo antes de su muerte.

Mijac, la editorial de música que controla los derechos de autor de las canciones compuestas por Jackson, va camino a generar US$35 millones en regalías. Y los administradores están a punto de recibir US$11 millones en dividendos de Sony/ATV Music Publishing, una empresa conjunta con Sony Corp. que controla 251 éxitos de Los Beatles.

Acuerdos de televisión y comercialización podrían generar otros US$10 millones, mientras que convenios para crear un videojuego y dos espectáculos de Cirque du Soleil con la música del cantante generarían ingresos adicionales en unos meses. El acuerdo con Sony Music garantiza a los herederos de Jackson avances en efectivo adicionales en los próximos años.

Sin embargo, la mayor obligación financiera de Jackson sigue sin estar resuelta. Un préstamo de US$300 millones de Barclays PLC, garantizado por la participación de 50% en SONY/ATV, se vence a fines de año.

Como parte del trato, Jackson le garantizó a Sony la opción de comprar su 50% en SONY/ATV en cualquier momento por US$250 millones. Entonces, la cifra era considerada generosa, pero en la actualidad el valor de Sony/ATV se ha disparado a casi US$2.000 millones.

Los albaceas y Sony han sostenido conversaciones sobre si el sello discográfico nuevamente garantizaría una refinanciación de deuda ofreciendo como garantía la participación de Jackson en Sony/ATV. Si se niega, los administradores se verían obligados a vender la mitad de Sony/ATV a un precio mucho más bajo, aunque esto generaría el efectivo suficiente para saldar el préstamo de Barclays e, incluso, quedarse con unos millones de sobra. Pero puede que Sony tenga un incentivo para alcanzar un acuerdo de refinanciación, ya que al comprar la parte de Jackson estaría pagando cientos de millones de dólares por un activo que, de hecho, ya controla.

A pesar de estar preparándose para lo que se promocionaba con un regreso estelar a los escenarios, sus finanzas eran un caos y Jackson no era capaz de cumplir con las obligaciones financieras más básicas.

Entre las cuentas en mora al morir destacan los US$341.000 que le debía a Thomas Mesereau, el abogado que lo defendió en 2005 en el caso de abuso infantil.

El cantante también estaba atrasado en el pago de los servicios públicos en la casa familiar en Encino, California, donde su madre y sus tres hijos viven ahora, junto con los hijos de dos de sus hermanos.

Jackson también se había atrasado en el pago de un préstamo de US$5 millones de IndyMac respaldado. La propiedad iba a entrar en proceso de embargo al día siguiente de su muerte.

La poesía del Viernes, EL AMOR INDECISO, por Dulce María Loynaz

Por Luis Montes Brito

DULCE MARÍA LOYNAZ

(1903 – 1997)

Dulce María Loynaz nació en La Habana (Cuba) el 10 de diciembre de 1902. Su padre, Enrique Loynaz del Castillo, general del Ejército Libertador, de cuya pluma brotó la letra del Himno Invasor; la madre, aficionada al canto, la pintura y el piano, combinación que despertó en Dulce María Loynaz un amor desmedido por la poesía.

En 1919 aparecen publicados en el periódico cubano La Nación, sus dos primeros poemas: "Invierno de almas" y "Vesperal". A los 24 años de edad, en 1927, se doctoró en Derecho Civil en la Universidad de La Habana y aunque esta profesión no era completamente de su agrado, la ejerció hasta 1961, siempre en asuntos de tipo familiar.

A partir de aquí se produce un incremento en su producción literaria, escribe Versos (1920 -1928), comienza su novela Jardín cuya redacción le toma siete años y un año más tarde (1929), en ocasión de su viaje a Egipto, escribe Carta de Amor al Rey Tut-Ank-Amen.

La década del 30 es rica en nuevas relaciones, su casa se convierte en centro de la vida cultural. Acoge en las llamadas "juevinas" a gran parte de la intelectualidad del momento, tanto la que residía de forma permanente como la de tránsito por la isla, entre ellos Juan Ramón Jiménez, Federico García Lorca, Alejo Carpentier, Emilio Ballagas, Rafael Marquina, Carmen Conde, entre otros intelectuales y artistas. En 1937 publica Canto a la mujer estéril, poema que resume el sentimiento de frustración de una mujer impedida de procrear, y al año siguiente, en La Habana, ve la luz su primera edición de Versos.

Viaja por Sudamérica en 1946 y conoce en Montevideo a la poetisa Juana de Ibarbourou. Escribe crónicas de viaje que se publican en El País con los títulos "Impresiones de un cronista" y "Crónicas de América del Sur". En 1947 se publica en Madrid la primera edición de Juegos de agua. La personalidad poética de Dulce María Loynaz, siempre presente en España y ampliamente conocida en el mundo de nuestra lengua se apoya en su creación lírica, su poesía es fuerte, aunque delicada, intensa y nada retórica, desnuda de palabras y de alma, escrita con la sensibilidad en carne viva.

Tres años más tarde publica en La Habana un alegato titulado "Las corridas de toros en Cuba" y en Madrid la tercera edición de Versos. Al año siguiente (1951) se publica en Madrid su novela Jardín y en Cuba los artículos "Al César lo que es del César", "Poetisas de América", "Mujer entre dos islas" y "El último rosario de la reina". Dos años más tarde se publica en Madrid Poemas sin nombre y la segunda edición de Carta de Amor al Rey Tut-Ank-Amen. Durante 1954 publica en los periódicos El País y Excélsior la serie de artículos Crónicas de ayer y Entre dos primaveras.

De nuevo en España, en 1958 se publican Últimos días de una casa y Un verano en Tenerife, que constituye un relato de su estancia en las Islas, y fue calificada por la autora como "lo mejor que he escrito".

La década de los cincuenta es el período en que se publican o reeditan en España todos sus libros. Es también la de mayor participación en conferencias y recitales, además recibe homenajes y galardones de instituciones hispanas. Por esta época su obra llama la atención de los más conocidos críticos españoles e ilustres personalidades cubanas. A fines de los cincuenta va dejando de escribir poesía y a inicios de los sesenta rompe sus compromisos editoriales, sufre la ausencia del que fuera el máximo impulsor de su obra, en Cuba y el extranjero, su esposo Pablo Álvarez de Cañas.

Retorna al enclaustramiento voluntario en que había vivido, no viaja más al extranjero, apenas realiza actividades públicas, excepto las vinculadas con la Academia Cubana de la Lengua.

La Real Academia de la Lengua Española la nomina, en 1984, Candidata al Premio Miguel de Cervantes. En 1985 se publica en La Habana Poesías Escogidas y por primera vez ve la luz su libro de poemas Bestiarium, que demuestra gran imaginación y excelente sentido del humor. Durante estos años dicta conferencias, discursos, recibe premios y condecoraciones y es homenajeada por distintas instituciones culturales cubanas.

Su obra literaria revela la maestría en el manejo del castellano, decantación del lenguaje, poder de síntesis, claridad, sencillez y sobriedad en la expresión lírica. Estas y otras facetas fueron valoradas para otorgarle el 5 de noviembre de 1992, el Premio de Literatura Miguel de Cervantes Saavedra. Su obra se impuso a la de otros ilustres e igualmente merecedores candidatos.

En 1993 viaja por última vez a España, en esta ocasión, a recibir de manos del Rey Juan Carlos el Premio Cervantes.

Lúcida y ágil de mente pero frágil y débil de vista, la primera mujer latinoamericana en recibir tan honorable premio, no pudo leer su discurso, y lo hizo en su nombre el novelista cubano Lisandro Otero; en el mismo expresó "Unir el nombre de Cervantes al mío, de la manera que sea, es algo tan grande para mí que no sabría qué hacer para merecerlo, ni qué decir para expresarlo".

Fe de vida, su última obra, entregada al amigo Aldo Martínez Malo, con la condición de que solo se conociera cuando hubiese cumplido 90 años o después de su muerte, vio la luz en 1993, publicada por Ediciones Hnos. Loynaz, en ocasión de celebrarse en Pinar del Río, el I Encuentro Iberoamericano sobre su vida y obra.

La última aparición pública de Dulce María Loynaz, que duró apenas unos minutos por su delicado estado de salud, fue en el mes de abril de 1997, exactamente el día 15, con motivo del homenaje que le rindiera la Embajada de España, en el portal de su casa. Unos días después, en la madrugada del 27 de abril fallece "esta gran dama de América" que estuvo profundamente unida a los destinos y la cultura de su país así como a todo lo hispánico.

Disfrute de 2 poemas de Dulce María Loynaz, número uno: EL AMOR INDECISO, número dos: SI ME QUIERES, QUIEREME ENTERA, transportándose en el tiempo hasta 1979 con la preciosa canción de Melissa Manchester Don't Cry out loud, traducida a "No llores tan alto". Como innovación y acorde a los tiempos de la amplia afición al Karaoke al final incluiré una versión de la misma canción con letras incluidas. Si usted se anima a cantarla, permitame parafrasear a Melissa Manchester para sugerirle amablemente que "No cante tan alto".

EL AMOR INDECISO
Dulce María Loynaz

Un amor indeciso se ha acercado a mi puerta...

Y no pasa; y se queda frente a la puerta abierta.

Yo le digo al amor: -¿Que te trae a mi casa?

Y el amor no responde, no saluda, no pasa...

Es un amor pequeño que perdió su camino:

Venía ya la noche... Y con la noche vino.

¡Qué amor tan pequeñito para andar con la sombra!...

¿Qué palabra no dice, qué nombre no me nombra?...

¿Qué deja ir o espera? ¿Qué paisaje apretado

se le quedó en el fondo de los ojos cerrado?

Este amor nada dice... Este amor nada sabe:

Es del color del viento, de la huella que un ave

deja en el viento... -Amor semi-despierto, tienes

los ojos neblinosos aun de Lázaro... Vienes

de una sombra a otra sombra con los pasos trocados

de los ebrios, los locos... ¡Y los resucitados!

Extraño amor sin rumbo que me gana y me pierde,

que huele las naranjas y que las rosas muerde...,

Que todo lo confunde, lo deja... ¡Y no lo deja!

Que esconde estrellas nuevas en la ceniza vieja...

Y no sabe morir ni vivir: Y no sabe

que el mañana es tan sólo el hoy muerto... El cadáver

futuro de este hoy claro, de esta hora cierta...

Un amor indeciso se ha dormido a mi puerta...

Si me quieres, quiéreme entera
Dulce María Loynaz

Si me quieres, quiéreme entera,

no por zonas de luz o sombra...

Si me quieres, quiéreme negra

y blanca, Y gris, verde, y rubia,

y morena...

Quiéreme día,

quiéreme noche...

¡Y madrugada en la ventana abierta!...

Si me quieres, no me recortes:

¡Quiéreme toda... O no me quieras!

Lo prometido, buena suerte con la cantada, Feliz Fin de Semana.

Don’t Cry out loud (W/ Lyrics)
Interpreta Diana DeGarmo

La poesía del Viernes, YO PIENSO EN TI, de José Batres Montúfar

Por Luis Montes Brito

José Batres Montúfar
(1809-1844)

Militar, político, escritor e ingeniero guatemalteco, nacido en San Salvador. Se le puede considerar como el poeta más importante del siglo XIX. Nació el 18 de marzo de 1809, en la entonces provincia de San Salvador, perteneciente a Centro América, que era una nación cuyo gobierno radicaba en Guatemala.

Se inició en literatura, matemáticas, música y francés gracias a su padre, que fue su mentor. Desde niño fue muy aficionado a la lectura, y llegó a dominar el idioma inglés, francés y latín.

Ingresó a la Escuela de Cadetes en 1825, obteniendo el grado de Subteniente de Artillería, y en 1938 fue ascendido a Capitán Comandante. Además, el 14 de diciembre de 1835 se graduó de Ingeniero Topógrafo.

En 1837 formó parte de una expedición que estudió las posibilidades de abrir un canal interoceánico en Nicaragua, en el río San Juan, y a lo largo de toda su vida sufrió intensamente los avatares de la historia centroamericana.

Su obra literaria, de orientación neoclásica, apareció reunida tras su muerte en Poesías (1845 ).

Siendo militar participó en varias batallas, como La batalla de Milingo, en la localidad de Mejicanos, en donde fue hecho prisionero por los salvadoreños; y en 1840 peleó con las tropas conservadoras que se opusieron a Francisco Morazán. Desempeñó cargos importantes, entre ellos: Jefe Político del departamento de San Juan Amatitlán; y Diputado a la Asamblea Legislativa por el departamento de San Marcos.

Como poeta destacó enormemente, al punto de ser considerado el mejor representante del Romanticismo en la literatura guatemalteca. Entre su obra podemos mencionar: "Tradiciones de Guatemala", "Tres cuentos alegres y picantes escritos en verso"; y su excelente poesía "Yo Pienso en tí", "San Juan", "María", "Al Volcán de Agua", etc.

Su poema más conocido es, sin duda, el famoso "Yo Pienso en Ti", que debió haber sido escrito hacia el año 1938 o 1839, poco tiempo después de que Pepe Batres regresara del viaje que hizo a Nicaragua, cuando trabajaba como ingeniero auxiliar en el proyecto del canal, que tiempo después se realizaría en Panamá. En este trágico viaje murió su hermano menor, que había insistido en acompañarlo y que era tan querido por él.

Regresó a Guatemala lleno de dolor, que terminó de acentuarse cuando se enteró de que su amada, Luisa Meany, por presión de su madre, se había casado con don Francisco Pineda.

Otra idea estética importante que puede descubrirse en la poesía de Batres es su preocupación por la belleza ideal. Presenta, en poemas como "El reloj" y en otros libros de costumbres, personajes “grotescos” o “inmorales”, que rompen con el molde de lo armonioso y consistente. Entonces, una vez en el juego dialéctico, puede descubrirse lo bello en oposición a lo feo y el bien (moral) en oposición al mal (transgresión).

Marcelino Menéndez y Pelayo recordó de él:

Don José Batres Montúfar es la verdadera gloria de Guatemala... Ni a Heredia, ni a Bello, ni a Olmedo, se les hace injuria con poner cerca de sus nombres el de este contemporáneo suyo, cultivador de una poesía tan diversa, pero no menos exquisita en su género, con ser este uno de los géneros menos elevados y aun menos recomendables del arte literario.

Juan Varela había dicho:

No cabe duda que Batres Montúfar, es en su género, uno de los mejores poetas del habla castellana, así por su estilo suelto como por su amplio dominio de la rima, por los que pudiéramos llamar sus caprichos métricos y por ese inimitable estilo descriptivo que muy pocos pueden igualar.

En varias ocasiones lo persiguió el infortunio. Murió el 9 de julio de 1844 en la ciudad de Guatemala.

Disfrute del poema YO PIENSO EN TI del insigne poeta guatemalteco José Batres Montúfar, escuchando el segundo himno nacional de todos los guatemaltecos o "chapines", "Luna de Xelajú", preciosa composición de Francisco Pérez Muñoz e interpretada en la versión que presento por Hugo Leonel Vaccaro. Un saludo especial a la laboriosa comunidad guatemalteca y especialmente a nuestros a nuestros muy queridos amigos la familia Luna Aquino en la ciudad de Guatemala .

Yo pienso en ti
José Batres Montúfar

Yo pienso en ti, tú vives en mi mente,
sola, fija, sin tregua, a toda hora,
aunque tal vez el rostro indiferente
no deje reflejar sobre mi frente
la llama que en silencio me devora.

En mi lóbrega y yerta fantasía
brilla tu imagen apacible y pura,
como el rayo de la luz que el sol envía
a través de una bóveda sombría
al roto mármol de una sepultura.

Callado, inerte, en estupor profundo,
mi corazón se embarga y se enajena,
y allá en su centro vibra moribundo
cuando entre el vano estrépito del mundo
la melodía de su nombre suena.

Sin lucha, sin afán y sin lamento,
sin agitarme, en ciego frenesí,
sin proferir un sólo, un leve acento,
las largas horas de la noche cuento
y pienso en ti!

Tango, Art and More una noche cultural para repetir

Tomado de Long Island al Día

Con lleno a reventar, ocupación completa, algunas personas de pié , se llevó a cabo el jueves 10 de junio, la convocatoria de PAISR, para el espectáculo Tango, Art, And More, en la sala de la Biblioteca Pública de Brentwood.
Con un público diverso, desde la juventud con deseos de escuchar un concierto inolvidable, hasta los maduritos para reverdecer años, los amantes del arte, de la fotografía, todos muy entusiastas, con una entrega total para quienes actuaron y expusieron.

Luis Montes Brito: PAISR es un grupo de pensamiento en donde se privilegia la tolerancia y el raciocinio, al pasionismo, al dogmatismo o a cualquier otro sentimiento

A la presentación de los miembros de PAISR, con traducción al inglés de la bella Colombiana Tatiana Giraldo, siguió la presentación de FIOR, inmigrante Dominicana, quien desde niña tenía el deseo de ser cantante y quien con sus canciones calentó el ambiente y deleitó a todos los asistentes. ” Los seres humanos tenemos sueños y metas y el estar esta noche aquí es una de las mías” dijo al referirse a su inicio como cantante profesional a partir de su participación en el concierto.

Con estilo muy particular, buen dominio del escenario, FIOR, promete ser una artista con mucho éxito y carisma, lo que contagia con su naturalidad y color de su voz. Inicio en este escenario mi etapa como cantante profesional y le agradezco a Dios por permitirme realizar un sueño que me acompaña desde niña: FIOR

Los asistentes pudieron luego, deleitarse observando la obra de Ikarus Gallery Cultural Program, que se gestó para dar curso a la iniciativa perteneciente a una emergente generación de artistas hispanos que están creando en la diáspora nuevas obras, quienes proyectan su arte en función social.

Maestro de ceremonias Daniel Lencinas PAISR

Los pintores Reinaldo Martinez Pardo de Colombia, Luis Carlos Velásquez, americano de origen Colombiano, Jaime Cruz de El Salvador y co fundador de Ikarus y Jorge A. Guzmán de El Salvador y director de Ikarus, fueron los encargados de colgar sus cuadros, en una exposición digna de las mejores salas de arte, llena de color y expresión social.

Por su parte la fotógrafa Colombiana Lucy Lencinas, profesional de Briacliffe College , colocó a disposición de los asistentes su obra en blanco y negro, con imágenes tomadas a lo largo del tiempo y que involucra sus vivencias en diversos países como EE.UU, Colombia, Argentina, Italia y Chile.

Juan Emilio Cuchiarelli piano, Bruno Cavallaro, violin y danzantes de tango de Argentine Tango Lovers

Con tal marco y con la conducción del miembro director de PAISR, escritor argentino Daniel Lencinas y con un diálogo con otro de sus directores, el periodista Jesús Ríos, para explicar el origen del TANGO, se comenzó el recital de “Sin Fueye”, grupo argentino de calidad mundial, quienes en un alarde de virtuosismo, magistral interpretación y dominio escénico, hicieron un recorrido por las mejores piezas del tango.
Gallo Viejo de Agustín Bardi; Quejas del Bandoneon de Juan de Dios Filiberto; Vida Mía de Osvaldo Fresedo; 9 de Julio, José Padula; A Don Agustín Bardi, Horacio Salgan; Los Pájaros perdidos, Astor piazzolla; La Yumba, Osvaldo Pugliese; Payadora, Julián Plaza; El Choclo, Angel Villoldo; Volver, Carlos Gardel; Danzarin, Julian Plaza; Nocturna, Julian Plaza y la infaltable Cumparsita, fueron las joyas musicales interpretadas por Bruno Cavallaro en el violín y Juan Emilio Cuchiarelli en el piano, quienes recibieron la ovación de pié de los asistentes, claro tributo a su maestría y entrega.

Explosión de tango con violín mágico

La coreografía del grupo de baile Argentine Tango Lovers, llenó de explosión la sala , que alcanzó su máximo cuando Daniel Lencinas, acompañado de Sin Fueye y los bailarines tangueros, interpretaron La Cumparsita, que cerró un acto, que seguramente permanecerá en la memoria de los asistentes, por su calidad y sobriedad, comentadas por los asistentes, quienes no se cansaron de aplaudir y gritar BRAVO.

El Tango se vistió de arte.
Miembros de PAISR, Pintores de Ikarus, Fotógrafa Lucy Lencinas, Sin Fueye y asambleísta Phil Ramos
Leo Herrera, del board de directores de PAISR, frente a obra de Ikarus

Asistentes al concierto

El tango se vistió de gala


Tango y more
Malevo lencinas: Tango que me hiciste mal y sin embargo te quiero...

Las Estrellas bailan Tango: Robert Duval, Rodolfo Valentino

Por Luis Montes Brito y PAIS R

Con los siguientes videos damos por concluida la serie "Las Estrellas bailan Tango". Gracias a todos por seguirla. Nos vemos esta noche en el evento de PAIS R "Tango, Art and More".

Robert Duval y Luciana Pedraza Assassination Tango


Rudolph Valentino, TANGO DANCING

Las Estrellas bailan Tango: Shakira

Por Luis Montes Brito, PAIS R

Skakira Baila y Canta "Tango Objection" canción la cual inicia con una introducción del famoso tango “La Cumparsita”.

La Cumparsita es un tango uruguayo, y está considerado el tango más difundido a nivel mundial. La melodía fue creada y escrita entre finales del año 1915 y principios de 1916 por el músico uruguayo Gerardo Matos Rodríguez (en ese entonces estudiante de Arquitectura) quien asimismo creo una letra en 1926, dos años después de la letra del argentino Pascual Contursi, más conocida por su mayor difusión.

Después de un largo pleito, y por la incorporación de la letra más famosa, se llegó a la conclusión en cuanto a derechos de autor que "los derechos se repartieran en un 80% para Matos y el 20% restante para Contursi y Maroni. El juicio también determinó que en las futuras ediciones deberían registrarse la letra de Contursi y Maroni y la del propio Matos, con exclusión de las de cualquier otro autor".

La Cumparsita es el himno popular y cultural de Uruguay a partir de un decreto presidencial del 2 de febrero de 1998.

La Argentina usó esta música en la entrada de sus deportistas a las olimpíadas de Sydney en el 2000, lo cual generó controversias en varias ocasiones

Shakira